Explica la poeta Julieta Valero en el epílogo de Esta ira que las mujeres estamos «desentrenadas para mostrar la ira». «Entonces» ?se pregunta? «¿cómo decir, cómo articular una ira que no responde estrictamente a los hombres, sino a la vida misma, a su designio duro? ¿Y cómo ser capaz de hacer de su objeto precisamente a las hermanas, a las mujeres?»
A esta dificilísima prueba del lenguaje se enfrenta María García Zambrano en su nuevo poemario. Una obra potente que reclama el derecho a expresar la ira y el dolor censurado de las maternidades no hegemónicas.
Como antídoto a la ira, Zambrano recurre al principio budista de que todo está en continuo cambio, que atraviesa la obra como un bálsamo y alcanza su máximo poder sanador en la cuarta y última parte: un canto esperanzador a la belleza que podemos encontrar incluso en los lugares más dolorosos.

Después de disfrutar de una vida de lujos como funcionario en la corte del emperador Xizong, el poeta chino Si Kongtu se retiró a las faldas del monte Hua para escribir Las veinticuatro categorías de la poesía. Considerada una obra fundamental en la estética literaria china, busca capturar, a través de la contemplación de la naturaleza, el Tao, el principio que rige el orden del universo.
Tres siglos más tarde, en Francia, el monje Bernardo de Claraval se propuso convertir los monasterios cistercienses que había fundado en una casa sublime para quienes, tras experimentar las inclemencias del mundo, decidieran retirarse de él.
El Paraíso claustral de Carlos Aganzo nace de una inmensa admiración por estos dos pensadores y de una reflexión propia sobre su (nuestra) presencia en el mundo. Un hilo de pensamiento del que el autor tira poco a poco en busca de sus propios aprendizajes, y que nos deja máximas luminosas y esperanzadoras de nuestra relación con el mundo que habitamos y, a la vez, nos habita.

En 1969 Raúl Zurita empieza a escribir El sermón de la montaña, su primer poema. Deja ya patentes buena parte de sus inquietudes creativas: la reflexión sobre lo transitorio y lo efímero, la experiencia del yo y especialmente la búsqueda, a través de la poesía, de mantras contra el dolor. Todas ellas se desarrollan en Mi Dios no ve, un itinerario documental por las más de cinco décadas que el chileno ha consagrado a la escritura. Mi Dios no ve incluye poemas, relatos autobiográficos, fragmentos de entrevistas, traducciones. Y también imágenes de sus intervenciones de land art, de acciones performativas sobre su propio cuerpo y de otras incursiones en el arte contemporáneo. El libro reclama, así, el reconocimiento de Zurita no sólo como gran poeta, sino como artista total.

En 1943 nace la república Siria. Ese mismo año, durante la gira de celebración, el presidente, Shukri al-Quwatil, visita una pequeña aldea agrícola. Allí conoce a Alí, un joven de 13 años que le regala un poema escrito para la ocasión. Impresionado por las palabras del chico, el presidente le hace llamar al palacio presidencial, se interesa por su vida y le ofrece su ayuda. «Quiero ir a la escuela», pide Alí. «Considéralo hecho», responde el presidente.
Así, con esta historia fantástica, es como Alí Ahmad Said Esber, hoy conocido en todo el mundo como Adonis, consigue ir a la escuela; y así es como lo que su padre le había enseñado sobre literatura y escritura se convierten para siempre en su manera de entender la realidad, de cuestionar sus reglas y de plantear otras nuevas. Adoniada es el resultado de toda una vida vivida a través de la literatura y, especialmente, de la poesía. Un libro que ejerce un papel integrador y
esclarecedor dentro del conjunto de la obra de Adonis, en el que logra articular y sintetizar algo esencial, con una escritura tan poderosa que es capaz de cambiarnos la mirada, de revitalizar nuestra memoria, de sacudir nuestra vida y acercarnos los unos a los otros.

Troya acaba de ser arrasada por los griegos. Los hombres han sido asesinados; los niños, separados de sus madres; las mujeres, convertidas en esclavas de Grecia. Entre ellas se encuentran Hécuba, hasta entonces reina de Troya, su hija Casandra y su nuera Andrómaca, víctimas, como las demás habitantes de la ciudad, de una guerra ordenada y ejecutada por hombres. Pero mientras ellos reciben una muerte rápida, ellas son condenadas a una violencia más humillante y duradera ejercida en forma de sumisión, violaciones, agresiones hacia sus hijos.
El dios Poseidón narra en esta nueva obra de Carson la historia de las mujeres troyanas con las tres damas de la realeza como protagonistas. El drama, no obstante, no es exclusivo de monarcas ni pertenece a un pasado remoto: es vigente y apela a toda mujer que haya padecido abusos de poder.

Tipos de agua es un largo ensayo escrito a la manera de un diario donde la autora va anotando lo que del paisaje le parece notable para trasladarlo a su interioridad. Este pretexto afianza a la canadiense como una revelación en el campo de la introspección poética, con imágenes que eleva a alturas insospechadas. Para Carson todo viaje es una conversación llena de peligros, una conversación que necesariamente ha de ser compleja. De aquí que Tipos de agua se transforme en la descripción del peregrino que avanza mirando hacia atrás y dentro de sí, sintiendo el desencanto de la separación, y aun así, avanzando; pues lo que se empieza, a pesar del dolor implícito del viaje, debe tener un fin, y ese fin en ella es Finisterre.

Durante su infancia, las tres hermanas Brontë, junto con el hermano, Branwell, crearon un mundo de ficción formado por tres países imaginarios: Angria, Gondal y Glass Town. Es a partir de Glass Town que Carson desarrolla la primera parte de este libro cumbre, titulada «Ensayo de cristal», siendo las siguientes: «La caída de Roma», «El libro de Isaías» y «El género del sonido». De principio a fin, Carson despliega su perspicacia y lucidez crítica. Utiliza su vasta cultura para dialogar con autores de la antigüedad como Aristóteles y así exponer su punto de vista desde un saber y no desde cualquier moda, rabia, ira o indefensión. Ya en la adolescencia, Carson tuvo conciencia de lo que significa ser mujer, una mujer que se vale de su intelecto para pensar el mundo, y ante todo el mundo femenino por el que aboga respaldada por la mitología clásica, la filosofía y, sobre todo, por una vida inmersa en la lectura. Anne Carson se ha forjado un pensamiento propio que ahora nos ofrece tamizado por su ironía, su transparencia y su ingenio. Sin duda este libro hace de Carson la escritora necesaria para repensar nuestra postura, nuestra apuesta, nuestra voz, nuestra fuerza por tantos años acallada.

Mientras consideraba su mortalidad, Franz Wright encontró una nueva euforia y claridad en la página, entregando para nuestro examen el “yo” defectuoso pero arrodillado en gratitud en el que se había convertido. Desde "Entries of the Cell", el largo poema central que detalla la soledad del alma soltera, hasta breves poemas narrativos en prosa y letras tradicionales, Wright se deleita en el poder compensatorio del lenguaje, observando los faros diurnos que siguen a un coche fúnebre, o el viento, “bendiciendo uno por uno los capullos sin luz del regreso inadvertido del melocotonero doblado hacia atrás”.

El alto reto de acercarse a Las Moradas desde nuestro presente invita a pensar de modo dialógico. Por ello, esta cuidada edición del texto que Teresa de Jesús escribió en 1577 responde a la voluntad de mantenerse muy próxima a la obra original, pero no pierde de vista la perspectiva de quien lee, por lo que se han convocado varias voces notables y dos tiempos distintos y complementarios. De un lado, el prólogo de uno de los grandes conocedores de la época, el catedrático Javier San José Lera, quien señala las inauditas profundidades expresivas que alcanza la autora. Su texto ha sido editado aspirando a la gracia y la fidelidad. De otro, siete poetas relevantes aportan su propia mirada al diálogo con una de las obras más bellas y profundas de la literatura espiritual: Hugo Mujica, Antonio Colinas, Amalia Iglesias, Jeannette L. Clariond, José María Muñoz Quirós, Asunción Escribano y María Ángeles Pérez López, que ya se habían acercado a la obra de Teresa de Cepeda y Ahumada, la recorren de un modo personal para tender así a la luz desde la que nos interpelan pasado y futuro en un recio presente que la autora castellana sigue estremeciendo.

La poesía de Nawjan Darwish es ajena a todo patetismo y autocompasión, y está, por el contrario, provista de ironía, humor y una conmovedora familiaridad con todo lo que nombra. El poeta explora una eternidad permanentemente despedazada, como si hubiese un dios subyacente, no nombrado, que se complaciera en hilvanarnos sufrimientos y desgracias. El poemario está compuesto por siete partes, todas ellas atravesadas por personajes que se presentan exhaustos en infinidad de cruces levantadas en infinidad de lugares. Expulsados de su tierra ancestral, permanentemente sitiados y perseguidos, hacen presente al lector de que, en esta tierra de víctimas y victimarios, de desplazados y desaparecidos, todos los demás somos sobrevivientes.